19/08/2021
Диалог 5:
Андреас Эдуардо Франк и Александра Локтева
«Я всегда работаю с контрастами,
сталкиваю их, извлекая из этого энергию»
Гостем пятого выпуска «Диалогов» стал композитор, медиа-художник, исполнитель и один из художественных руководителей ансамбля Lemniscate Андреас Эдуардо Франк. Беседу ведёт музыковед, редактор Stravinsky.online и куратор «Диалогов», и младший научный сотрудник Центра современной музыки Московской консерватории Александра Локтева.
Stravinsky's Dialogues: Andreas Eduardo Frank & Alexandra Lokteva
Обработка видео...
— Андреас, здравствуйте! Спасибо, что согласились принять участие в этом интервью. Меня очень вдохновляют Ваши проекты и Ваше самоуглублённое отношение к творчеству. Я надеюсь, что наши зрители и слушатели смогут разделить эти чувства со мной.
— Спасибо большое, что пригласили меня! Я очень рад!
— Я бы хотела начать с общего вопроса. Как Вам кажется, можно ли в современном мире представить себе творчество без попытки осмыслить взаимодействие человека и техники, а также воздействие цифровых технологий на нашу жизнь? Я имею в виду и композиторское творчество, и творчество в более общем смысле.
— На мой взгляд, совершенно спокойно можно жить и творить, не осмысляя технологии. Но важно хотя бы иметь представление о том, как они работают. При создании произведения не имеет значения, используете вы технологии или нет. Гораздо важнее замыслы, позиция, процесс как таковой и целостность работы.
— Продолжая Вашу мысль, хочу спросить вот о чём. Вы пишете, что за каждым Вашим сочинением стоит некая поэтическая сверхидея. Интересно узнать, как происходит поиск этой идеи, с чем он может быть связан, в каком виде он может быть представлен: это звук, изображение, текст? Играет ли роль в Вашем творческом процессе работа с исполнителем?
— Меня часто вдохновляют люди, с которыми я работаю. Исполнитель всегда привносит в сочинение что-то личное: свою ауру, свои ассоциации. Наблюдая за человеком, чувствуешь его энергию, в каком-то смысле соединяешься с ним. Благодаря этой связи я нахожу поэтическую идею, которую и воплощаю в своих пьесах.
Также идея бывает связана с неким вызовом. Например, если вы работаете с изумительным виртуозом, который умеет абсолютно всё, можно предложить ему создать звук нетривиальным способом. У меня есть такая пьеса. В ней исполнитель не закрывает клапаны духового инструмента, а, наоборот, открывает. Таким образом, здесь идёт речь об обратной психологии и антиинституциональном взгляде.
Claqueurs, Andreas Eduardo Frank / y-band
Обработка видео...
«Claqueurs»
Психология исполнителя очень важна в музыке. Интересно, как психологически влияет выход за грани автоматизированных движений, которым человек учился много лет. Преодоление барьеров несёт определенную энергию, которая мне очень нравится. Я думаю, что это передаётся и публике во время исполнения. Также мне важны истории, чтобы донести всё так, как мне нужно. И эти истории также могут быть связаны с поэтической идеей.
Поэтическая идея есть в моих сочинениях «Restore Factory Defaults» и «YES YES NO NO YES NO NO NO». В «YES YES NO NO YES NO NO NO», казалось бы, используются только два слова — «да» и «нет». Но здесь важно то, как мы их произносим. Можно создать огромный мир звуков, миллион вариаций и ассоциаций, используя только «да» и «нет». Например, когда трое человек говорят «да», а один «нет» и это повторяется пять раз, появляется определенная логика: трое чего-то хотят, а один — не хочет. В этот момент рождается напряжение.
У музыкантов, которые играют это сочинение, очень сложные партии. Им необходимо разделять своё внимание и пытаться создавать что-то новое, то, что, возможно, не будет понято сразу. И когда вы немного отступаете, то понимаете, что имеете дело с совершенно новым механизмом, который сами же и создаете. Поэтика находится внутри исполнительского процесса. И у меня есть довольно конкретный пример: это звук между «да» и «нет». Он создаёт поэтическую историю просто за счёт самого тембра: за счёт того, как мы произносим эти слова.
— Сотворчество композитора и исполнителя, которое даёт новое качество идеи и всего сочинения, — это очень интересно! Имеет ли значение в пьесе «YES YES NO NO YES NO NO NO» семантика используемых слов, или же важен именно их фонизм? Я понимаю, что у каждого слова есть определенная энергетика, но, всё-таки, в процессе наложения одного и другое она немного теряется.
— Нет. Я думаю, что смысл создаётся через звук, через аранжировку. Если говорить постоянно «да да да да да да да да да да да да да да да нет нет да да да да да да да нет нет», то вы воспримете количество повторов, тембр произношения, переключения между словами. По сути, это бинарный код, в котором есть знаки 1 и 0. А мы знаем, что компьютер из этих двух символов может создавать безграничные миры.
— Когда я увидела это название ещё до прослушивания композиции, мне захотелось перевести эти повторяющимися слоги в какую-то другую систему и увидеть за ними новый образ. То есть эта идея сработала на визуальном уровне ещё до того, как я посмотрела фрагмент сочинения на Youtube. Это очень здорово!
YES YES NO NO YES NO NO NO
Обработка видео...
«YES YES NO NO YES NO NO NO»
— Я бы хотела спросить Вас о начале работы над сочинениями. Все Ваши композиции выглядят очень цельными, в них сильно связаны все медиумы: звук, видео, исполнительские жесты, вплоть до жеста определенного характера звучания, если мы говорим про струнные. Все эти моменты появляются в партитуре сразу или же они добавляются один за другим в процессе репетиций или после окончания работы над основной частью сочинения?
— Конечно, невозможно сразу же всё придумать и удержать в голове. Даже в классических оркестровых сочинениях все нотные системы никогда не пишутся одновременно. Сначала привносится смысл в одну изначальную линию, а дальше ты что-то к ней добавляешь. И вот появляются уже три линии. Дальше, например, добавляется гобой, кларнет или какие-то дополнительные инструменты со своими смыслами и, может быть, только на одну страницу — фортепиано.
Работа с немузыкальными слоями, в принципе, не сильно отличается. Ты так же ищешь связи между элементами, просто это происходит больше на мысленном уровне, а не на звуковом. Если в сочинении есть только звук— это одна история. А если же остаётся только одно изображение — совсем другая. В случае, когда мы объединяем звук и картинку, эти элементы начинают воздействовать друг на друга. Так возникает особое напряжение, внутрь которого можно углубляться. И создавая свои сочинения, я всегда размышляю над тем, что я хочу выразить этим напряжением, в каком направлении это всё можно развить. Иногда мне требуется что-то изменить в изображении или в звуке. Но в первую очередь я всегда работаю над музыкой, ведь я — композитор и умею это делать лучше всего. Только после работы со звуком я добавляю картинку.
Мой подход связан с тем, что я, как и многие, вырос в цифровом мире. Каждый день мы используем Instagram, Tik Tok, Facebook, смотрим видео, которое сопровождается звуком. Мы к этому привыкли, и было бы неправильно игнорировать все те возможности, которые открыты перед нами в современном мире.
— Да, действительно. В мире, в котором мы живём, очень разнообразном, звучащем и визуально ярком, действительно странно не привносить это в свои сочинения. Но есть мнение, которое я неоднократно слышала от разных людей: когда в сочинении появляется какая-то визуализации, оно становится проще для восприятия, и в этом есть некая уступка публике, особенно, когда мы говорим о новой музыке. Так ли это, на Ваш взгляд?
— Я думаю, да. Но процесс упрощения музыки мне сам по себе не интересен. Но было бы интересно сочинение, где сложная музыка упрощается ради большей ясности.
A.E.Frank - noise is a common sound - II
Обработка видео...
Noise is a common sound II
— Хотелось бы более детально поговорить о ваших проектах. Не могли бы вы немного рассказать о своем сочинении «Restore Factory Defaults», об особенности его идеи, точки отсчета в работе, насколько большую роль играло взаимодействие с исполнителем, про выстраивание общего целого.
— Я написал это сочинение в переходный для себя период — в последний год обучения в ВУЗе. Это была коллаборация с Анной-Мэй Крюгер (Anna-May Kruger) — музыковедом и вокалистом из Базеля. Это сочинение вошло в серию работ, где видео и свет используются для того, чтобы обрамлять музыкальные и перформативные действия, придавать им форму, представлять их в ином свете, показывать только небольшие фрагменты действия... В «Restore Factory Defaults» мне хотелось найти связь с «Освещённой фабрикой» («La fabbrica illuminata») Луиджи Ноно и при этом сохранить свою художественную свободу.
Но в своём сочинении мне было не интересно иметь дело только с параметрами пьесы Ноно. Я не думал о том, как Ноно работал со звуковой плотностью или со временем. Для меня было важнее понять его основную идею. Для меня самая глубокая идея сочинения Ноно — это идея отчуждения труда, идея вида-сущности. Она стала основной точкой отсчёта всего сочинения. Конечно, все знают теорию Маркса об отчуждении труда в контексте растущего капитализма. Эту идею я хотел передать, прежде всего, через исполнение, с помощью вокала.
С самого начала я знал, что в этом сочинении должен быть персонаж-сцена, персонаж-проекция, персонаж-звук: всё, что есть вокруг и связано с электроникой. Также здесь есть вокалистка с очень ясным голосом, который вдобавок ещё и усилен. Она сидит на вращающемся стуле, и с помощию большой проекции подсвечивается её «музейный» бюст и рука, которой она жестикулирует.
В этом сочинении есть определённый звуковой контекст и слова, которые появляются над головой исполнительницы и контекстуализируют то, что она говорит. Вся эта «машинерия», выстроенная вокруг вокалистки, усложняет для неё исполнение. А оно и без того непростое. Вместо пения в её партии — набор ритмизованных действий. Здесь есть щелчки, вдохи, выдохи, смех, и всё это расписано поминутно. Я это мыслю как полифоническую аранжировку внутри одной вокальной линии. Со временем она развивается: постепенно звуки выстраиваются в фразы, в музыку, в текст. Это похоже на целый организм, который постепенно развивается и начинает рассказывать нам историю.
Итак, в этом сочинении есть вокалистка и машина. Исполнительница понимает, что машина работает против неё: она её копирует и создает её альтер-эго. Из-за этого возникает противостояние, и вокалистка осознаёт, что единственный способ выйти из него — петь быстрее скорости света (поскольку в создании видеопроекций участвует свет). И, пытаясь это сделать, она понимает, что никогда не сможет обогнать эту машину.
— Исполнительница вынуждена превозмогать себя, чтобы справиться с контекстом, который вокруг неё возникает. Я правильно поняла?
— Абсолютно так. Это абсурдная гонка, потому что невозможно петь быстрее скорости света. И в момент, когда происходит осознание этого, сочинение ломается, выходит в абсурдное поле, во вневременное пространство. В этот момент меняется и театральный аспект сочинения.
— Это гонка, которую нельзя выиграть. Но она даёт новое качество всему звучащему, видимому, жесту, может быть, и самому исполнителю.
— Да, я думаю, что главная проблема — просто признать эту гонку. Как только ты её признаёшь, ты проигрываешь. Сочинение как раз об этом. В обычной жизни мы тоже часто осознаём, что не можем чего-то достигнуть в указанный срок. Это очень забавно. Может быть, и жизнь в целом такая же: мы думаем о таком большом количестве вещей, а достигнуть можем только маленькую крупицу того, что перед нами есть. Так же и слушатель из всего предлагаемого массива не всё может усвоить. Так же и композитор пытается достигнуть многого, а остается лишь маленькая песчинка того, что он задумал.
Restore Factory Defaults (2017) - Andreas Eduardo Frank
Обработка видео...
«Restore Factory Defaults»
— Конечно, у нас у всех разное восприятие, поэтому каждый видит свой смысл в любом сочинении. Возможно, кто-то не сможет признать, что противостояние имеет смысл только тогда, когда продолжается, и невозможно его закончить каким-то положительным итогом. Это очень интересно! Мне нравится, что это сочинение связано с нашим самоощущением в быстро меняющемся мире. Здорово, когда видишь в произведениях отражение своей собственной жизни! Ну а как иначе?
У меня также есть технический вопрос по поводу этого сочинения. Оно было написано для конкретной исполнительницы, в сотрудничестве с ней. Если же его будет исполнять кто-то другой, потребуются ли изменения?
— Такая возможность есть, но это потребует большой работы. Первую часть сочинения другой вокалист может исполнить очень легко, но для альтер-эго нужно будет всё заново записывать. И так сделаны многие мои произведения.
Сейчас мы работаем над серией пьес, в которых будет больше возможностей для замены видео и его воспроизведения с новым материалом. Я хочу, чтобы мои работы были более доступными для разных людей. Я большой поклонник открытой архитектуры и любых открытых структур. Моя задача на будущее — так планировать пьесу, чтобы исполнитель мог быстро, за час, записать собственную версию видео для своего исполнения и чтобы программа потом автоматически сэмплировала этот материал.
— В связи с темой взаимодействия композитора и исполнителя хочу задать вопрос, навеянный локдауном. В этот период мы были вынуждены искать какие-то новые форматы общения. Был ли у вас опыт поиска новых онлайн-взаимодействий, например, с ансамблем «Lemniscate» или при работе с другими исполнителями? Были ли у вас какие-то творческие инсайты?
— Для меня период локдауна был странным, но довольно плодотворным временем. Я трансформировал несколько проектов в онлайн-формат, открыл новые реальности. И если бы не локдаун, я бы этого не сделал. Мне кажется, что создание искусства всегда требует адаптации к новым обстоятельствам.
Во время локдауна я сочинил пьесу с ансамблем «Neue Vocalsolisten». Шесть недель я жил в театре, где мы репетировали и записывали онлайн-исполнение. Изначальная идея сочинения заключалась в том, чтобы поместить небольшое количество людей в сценическое пространство, где есть проекции в человеческий рост на свисающих с потолка стеклянных панелях, выкрашенных в белый цвет. Певцы тоже были здесь, но располагались иначе, чем в «Restore Factory Defaults»: тело было видно полностью, но голова закрыта плексигласом [органическое стекло]. Для исполнения перформанса публика в интернете должна была подключить камеры и их изображения проецировались на головы исполнителей. Публика, которая смотрела стрим, видела свои лица над телами исполнителей. В других сценах был чат, где они могли общаться с другими участниками из аудитории. Во время этого проекта я работал со специализированными программистами, коммуникационными дизайнерами, в основном с тем, что делают сценографы в опере, но в цифровом виде. Весь проект назывался «SuperSafeSociety». В нём рассматривалось четыре сценария будущего института в Германии, которые я создал на основе статьи «Эффект короны». Речь идёт о четырёх разных сценариях выхода из коронавируса. В моих сочинениях не всегда всё хорошо или плохо. Я всегда работаю с контрастами, сталкиваю их, извлекая из этого энергию. Вы сами можете решить, чего хотите. Мне кажется, что для этого всегда нужно немного радикальности, и действие заключается в создании пространства, где идеи могут сталкиваться друг с другом. Это ближе моему подходу, чем говорить, что это хорошо, а это плохо.
«SuperSafeSociety»
— Получается, оба проекта были показаны онлайн?
— Мы не смогли пригласить аудиторию, и вживую встречались только люди, причастные к исполнению. Для зрителей мы создали онлайн-комнаты, которые были соединены между собой, и можно было видеть себя и друг друга во время стрима при помощи камер. Это была огромная работа, и на самом деле мы используем всё, чему научились здесь.
Мы работаем над новой пьесой для фестиваля ECLAT в Штутгарте в феврале 2022. Его идея в сохранении магии живого исполнения, и для этого синтез всего исполнения должен происходить в гостиной каждого слушателя, на его компьютере, прямо перед ним. И это единственный способ по-настоящему почувствовать, как создаётся искусство. Потому что если вы записываете перформанс и видите только его воспроизведение, это не так захватывающе. Но если вы видите как ваш компьютер генерирует гифки из вас самих или из вокалистов они ходят по экрану кто-то разговаривает или что-то происходит виртуально, что-то переходит в твой телефон и звуки то там, то здесь. Все это интерактивно это совершенно иной опыт, созданный с помощью всех средств, которые нам подвластны. В конце концов, нужно быть креативными, придумывать новое, не пытаться репродуцировать то, что мы делаем обычно в онлайн формат.
— Конечно, поиск такого онлайн-взаимодействия, который бы не выглядел суррогатом, необходимостью за неимением выбора, — совершенно новая творческая задача. Я бы с удовольствием посмотрела Ваш проект и поучаствовала в нём как зритель!
— Значит, обязательно приезжайте на следующий ECLAT Festival!
— Я постараюсь.
Также будет возможность поучаствовать в нём онлайн.
— Здорово!
— Это сочинение будет называться «Hyphemind». В нём пойдёт речь о сетях и о том, что люди знают о грибных «сетях», гифах и мицелиях. Речь также идёт о трансгуманизме, о загрузке вашего разума в цифровой организм, подобный гифу, который и называется «hyphemind». И вы, как онлайн-слушатель, также станете частью этого, и мы загрузим все наши мысли в концертный зал.
— Вы нашли очень интересную ассоциацию с гифами! Цифровую связь обычно рисуют в виде большой сети, которая расползается в разные стороны, и в данном произведении как раз объединяется природное (сеть гифов) и цифровое. Мне кажется, это очень здорово! Так что жду с нетерпением старта этого проекта.
В проекте с вокалистами, о котором Вы рассказывали, тоже есть момент взаимопроникновения виртуальной реальности и нашей жизни. Кажется, что здесь идёт речь о человеке, который стоит на границе и, возможно, не совсем осознает эту границу. Так ли это?
— Да, конечно! Это переплетение реальной жизни и цифрового мира. Меня здесь интересует пограничное состояние между тем, что может и что не может восприниматься как реальность.
— Здорово! Спасибо большое! Но я вынуждена завершать наш диалог. Он очень интересный, а темы Вашего творчества особенно актуальны сейчас, когда мы балансируем на грани миров.
В завершение хотелось бы задать Вам ещё один вопрос. Он может прозвучать наивно, но тем не менее. Сейчас границы музыки максимально расширяются, и композиторы используют практически всё, что может быть им необходимо для воплощения замысла. Как бы Вы определили понятие музыки для себя? Что самое главное для Вас в музыкальной составляющей сочинения?
Для меня музыка — это утопическое пространство, которое несёт в себе наше наследие. Но мы не должны забывать о том, что мы изучаем собственные сенсорные способности как люди, как биомашины. И наш слух — это одна из частей общей системы.
Я думаю, что музыка не ограничена каким-то временем, но она точно связана с опытом слушания. За свою жизнь мы сталкиваемся с огромным количеством звуков, и использование этого опыта, выстраивание этого утопического пространства — для меня и есть музыка.
Мне кажется, что форма искусства в целом — это создание утопического пространства, в котором вы можете мыслить двояко. Мы обладаем целым наследием всего того, что слышали за всю свою жизнь, а это огромное количество впечатлений, звуков. Мы понимаем это и помещаем этот опыт в контекст того, над чем работаем — это и есть музыка для меня.
Также музыка для меня — это напряжение, которое возникает между нашим опытом, который мы испытываем как человеческое существо, пропуская окружающую через свой слух и свои чувства, и тем, что мы создаём, начиная именно со слухового представления. Это может являться стартовой точкой или переходить в совершенно другую форму искусства. Конечно, работа с опытом, его контекстуализация, превращение его в комплекс мыслей или ощущений, относятся и к другим формам искусства. Нет необходимости в границах. Для меня искусство — это всегда создание утопического пространства, в котором вы можете столкнуться с самим собой, со своими собственными мыслями.
— Фактически музыка — это инструмент самопознания. С его помощью мы испытываем себя, свой опыт, своё видение мира в сравнении.
— Да, абсолютно! Это, конечно, относится к самопознанию. Сочинение, в котором вы ничего не узнаёте, кажется вам скучным. Но если вы поймёте, что это было самое скучное сочинение в вашей жизни, это будет гораздо лучше, чем средняя реакция, когда вы даже не поймете, что это сочинение было скучным.
В конце концов, всем хочется что-то испытать. Ведь это то, ради чего всё это существует в конце концов, разве нет? Просто нужно иметь в виду, что есть люди, которые действительно хотят что-то испытать, и у них должен быть на это шанс. И создавать искусство, которое доставляет удовольствие, — абсолютно нормально. Но если это можно наполнить интересными или, может быть, противоречивыми мыслями или новыми музыкальными идеями, то такое искусство для меня более привлекательно. В таком случае это хочется видеть, слышать и переживать. Я всегда до этого голоден: мне нужны новые идеи, новые впечатления от услышанного. Это одно из самых прекрасных ощущений, которые я могу себе представить.
— Спасибо Вам большое за беседу и за Ваши ответы! Это тоже в какой-то степени опыт для меня: опыт осознания вещей, связанных с искусством и с сочинением. Всегда интересно услышать мнение человека, который стоит у истоков того творчества, которое мы воспринимаем и пытаемся по-своему трактовать. До встречи на фестивале!
— Спасибо большое за интервью! Было очень приятно с Вами беседовать.
Table Talk - A.E. Frank
Обработка видео...